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La Coctelera

Anagnórisis

 

El término “anagnórisis” es un helenismo cuyo significado es “revelación”, “reconocimiento” o “descubrimiento”. Este concepto fue mencionado por primera vez por Aristóteles en su ‘Poética’. Describe el instante de revelación en que la ignorancia da paso al conocimiento. 

De esta forma pretendo que quienes posen su mirada sobre este blog, "descubran" algo nuevo, una noticia, un dato, una imagen, una palabra, un evento, un enlace. 

 

¡Que vivan los autores!

Honores a los autores y a la literatura extranjera parece ser la consigna de la edición 2010 del Salón del Libro de París que abrió sus puertas este viernes 26 de marzo en la feria de exposiciones de la Puerta de Versalles.

Para celebrar los treinta años de existencia, los organizadores jugaron con los números para hacer tres veces treinta autores. Lo que da un total de noventa autores invitados que serán homenajeados.

Treinta de ellos son franceses: los pesos pesados de la edición y escritores consagrados como Jean D’Ormesson, recientemente galardonados como Frédéric Beigbeder o Marie Ndiaye, y por supuesto los best-sellers del año.

Entre los extranjeros, están incluidos en esta prestigiosa lista: el estadounidense Paul Auster, muy apreciado en Francia; la británica Doris Lessing, el italiano Umberto Eco, el portugués Antonio Lobo Antunes, o el español Enrique Vila-Matas.

De América Latina están presentes para el homenaje: el chileno Luis Sepúlveda, el uruguayo Carlos Liscano y el mexicano Jorge Volpi. Los autores extranjeros han sido invitados por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia para firmar libros y participar en innumerables mesas redondas y debates.

Un pabellón especial, de 1000 metros cuadrados, fue instalado para las diversas manifestaciones con los noventa autores, que incluye un teatro, una biblioteca multilingüe y una sala especialmente diseñada para la lectura de textos en voz alta.

El libro digital tendrá también una amplia difusión con animaciones alrededor de este nuevo soporte y como novedad: un nuevo espacio, “La escena”, donde se realizarán conciertos, desfiles de moda, performances y “speed painting” (pintura digital rápida).

Y en cierto modo, el clima tenso y de crisis que motivó la ausencia del Grupo Hachette (editoriales Fayard, Grasset, Larousse, Calmann-Lévy o Livre de Poche); redunda en la presencia de libros extranjeros. Ya que el espacio libre fue ocupado por editoriales venidas de Rusia, Turquía, algunos países africanos y escandinavos, posibles invitados del Salón 2011.

Es por ello que la prensa francesa lo ha catalogado ya de "cita 2010 de la world literatura". Las literaturas del mundo en el Salón del Libro de París hasta el 31 de marzo.

Fuente: Radio Francia Internacional

 

¿Sin palabras?

 

Arte: En singular es masculina (como en arte moderno o arte abstracto) y en plural es femenina (como en artes plásticas omalas artes).

Mil: El único número cuyo nombre en castellano no tiene ni la letra O ni la letra E.

Guineoecuatorial:

Cada vocal aparece exactamente dos veces. Adicionalmente, ninguna de las consonantes se repite.

Estuve: Contiene cuatro letras consecutivas del alfabeto, en orden:stuv. Lo mismo ocurre con otras conjugaciones del mismo verbo, como estuvo o estuvimos, y con algunas conjugaciones de sostener. No se conoce ninguna palabra con cinco letras consecutivas en orden. Con tres hay muchas; las más comunes son quizás hijo y defensa.

Cinco: Tiene cinco letras. En ningún otro número escrito en castellano se da esa misma coincidencia.

Electroencefalografista: La palabra más larga (23 letras) en el Diccionario de la Real Academia Española. 

Barrabrava: Una letra aparece una sola vez, otra aparece dos veces, otra tres veces y la cuarta cuatro veces. Es lo que se podría llamar, entonces, una palabra pirámide de cuatro pisos. Otras palabras pirámide: horrorososallánanlasarrancaran.

Catorce: Si los nombres de todos los infinitos números fueran ordenados alfabéticamente, éste sería el primero.

 

El profesor Super O


Un superhéroe caribeño está corrigiendo errores idiomáticos de los colombianos. Son seis video-clips diarios transmitidos por el Canal 13.

En el Canal 13, dedicado a los jóvenes de nuestro país, se está presentado una serie de clips de un particular superhéroe colombiano que tiene como misión"combatir la ignorancia idiomática y cambiar el curso de la historia para bien".

Se trata del Profesor Súper O, un particular personaje que es visto por niños, jóvenes y adultos del país, todos los días a las 10:30 a.m., 12:30 p.m., 4:30 p.m., 5:30 p.m., 6:30 p.m. y 8:00 p.m. por Canal 13.

La historia es sencilla, como la de cualquier héroe internacional, pero adaptada a la cultura pacífica: cuando apenas era un niño, Charles Ocoró sufrió un accidente que le cambió la vida. Paseaba con su abuelo y les cayó encima una carga de dos toneladas de camarón.

Su abuelo Secundino, educador originario de un evolucionado planeta llamado ‘Mojarra con Plátano’, murió, pero al irse de este mundo le transmitió toda su energíaOcoró quedó con poderes sobrenaturales y con la misión de combatir la ignorancia idiomática.

Ahora, donde quiera que aparezca una equivocación idiomática o se presente un yerro histórico, llegará el profesor Super O para corregir.

Esta es una propuesta muy divertida para aprender sobre nuestro idioma.

 

 

 





Victor Jara: ¿El derecho a vivir en paz?

http://es.youtube.com/watch?v=q3A8EysX4gI&feature=related

Información general

Nombre Completo: Víctor Lidio Jara Martínez

Fecha de nacimiento: septiembre 28 de 1932

Nombre de los padres: Manuel Jara – Amanda Martínez

Número de hermanos: 5

Condición socio económica: campesino

El rebelde, como llamaré al cantante, transcurre su infancia en un pobre y viejo caserío de la localidad de Quiriquina. Su madre cantaba, tocaba el piano y era una creadora innata, le enseñó sus primeros cantos. Tras ser abandonados por el padre, se trasladó a Santiago con su madre y sus hermanos. Quizás la falta de un modelo masculino y de disciplina sea una de las causas por las que se extravió hacia tendencias revolucionarias.

A la edad de 15 años muere su madre. La soledad lo llevó a buscar refugio en la vocación sacerdotal y fue así como ingresó en 1947 al Seminario Redentorista de San Bernardo. Atraído por el canto gregoriano y por la actividad intelectual del Seminario, permaneció allí casi dos años, hasta que descubrió que su vocación no era la religiosa, lo cual es una lástima, porque de haber continuado no hubiera terminado tan mal su vida.

En 1957 ingresa a la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, para estudiar actuación. Por esos años conoció a Violeta Parra, quien lo incitó a seguir cantando, y no sólo le enseñó varias de sus canciones, sino que además le solicitaba opinión sobre sus propias creaciones. Este tipo de amistades junto a las lecturas y actividades de la escuela de teatro, son al parecer las que van forjando una tendencia de inconformismo y rebeldía.

Durante la década que comenzó en 1960, trabajó componiendo y cantando, también fue director teatral, investigador del folclore y de los instrumentos indígenas, actor, dramaturgo y libretista. En el añod 1960, Jara recibió el título de director teatral. A partir de 1963 fue miembro estable del directorio del Instituto del Teatro de la Universidad de Chile y profesor de actuación de la Escuela de Teatro de la misma universidad.

Fue uno de los fundadores de la Nueva Canción Chilena, pese a su importante trayectoria en el teatro, fue en la composición y el canto donde Víctor Jara obtuvo el mayor reconocimiento.

Inclinaciones Políticas

Siendo militante de las Juventudes Comunistas, en 1970 Jara participó activamente en la campaña presidencial de Salvador Allende, realizando recitales por todo el país, a los cuales debíamos asistir para nuestro aburrimiento, pero era totalmente necesario para poder seguir de cerca los movimientos y conocer de primera mano su contacto con el público y a lo que incitaba.

Composiciones como El Manifiesto y La Plegaria de un Labrador, dan cuenta del compromiso del artista con los movimientos sociales y las manifestaciones revolucionarias que nacieron en ese período. En la letra de esta canción se observa la forma en que incita al pueblo a la rebelión.

Plegaria a un Labrador

Levántate y mira la montaña
de donde viene
el viento, el sol y el agua,
tú que manejas el curso de los ríos,
tú que sembraste el vuelo de tu alma.
Levántate y mírate las manos
para crecer, estréchala a tu hermano,
juntos iremos unidos en la sangre,
hoy es el tiempo que puede ser mañana. Líbranos de aquel que nos
domina
en la miseria;
tráenos tu reino de justicia
e igualdad;
sopla como el viento la flor de la quebrada,
limpia como el fuego el cañón de mi fusil;
hágase por fin la voluntad
aquí en la tierra
danos tu fuerza y tu valor
al combatir,
sopla como el viento la flor de la quebrada,
limpia como el fuego el cañón de mi fusil.

Levántate y mírate las manos
para crecer, estréchala a tu hermano,
juntos iremos unidos en la sangre,
ahora en la hora de nuestra muerte.
Amén.

Actividades que realiza

Tras el triunfo de Salvador Allende en las elecciones presidenciales de 1970, asumió un rol en el desarrollo cultural y político del país. Se le otorgó el cargo de embajador cultural del gobierno de la Unidad Popular, que desempeñó desde 1971 hasta su muerte. En 1972 realizó una gira musical nada más ni nada menos que a la Unión Soviética y Cuba, se puede deducir que para fortalecer los vínculos con estos países comunistas y vivir de cerca los modelos que allí se imponían. Ese mismo año participó en el Congreso de Música Latinoamericana, organizado por la Casa de las América en La Habana.

Tras su regreso a Chile, dirigió el homenaje que se le hizo al poeta Pablo Neruda (comunista también) luego de recibir el Premio Nóbel de Literatura. En 1973 también se desempeñaba como docente en el Departamento de Comunicaciones de la Universidad Técnica del Estado.

Los campesinos de Ranquil lo invitan a la realización de una obra musical sobre el lugar, y dentro de su “compromiso” toma parte en los trabajos voluntarios para impedir la paralización del país que según lo que ellos denominan fuerzas reaccionarias quieren lograr mediante la huelga de camioneros.

En 1973 realiza diferentes actos, participando en la campaña electoral para las elecciones al parlamento a favor de los candidatos de la Unidad Popular y, respondiendo a un llamado de Pablo Neruda, participa dirigiendo y cantando en un ciclo de programas de televisión contra la guerra y el fascismo.

Su muerte

El día 11 de septiembre de 1973, durante el golpe militar, Víctor Jara fue detenido junto a un grupo de profesores y alumnos que se encontraban en la Universidad Técnica del Estado. Luego de su aprehensión, fue trasladado al Estadio Chile, torturado y posteriormente asesinado.

En 1990 la Comisión Verdad y Reconciliación determinó que Víctor Jara fue acribillado el 16 de septiembre de 1973 en el Estadio Chile.

En este link se encuentra la versión de las últimas horas vividas por el artista y cómo un abogado logra salvar la última canción escrita pocas horas antes de su muerte.

http://www.rebelion.org/noticia.php?id=4435

“Estadio Chile”

“Somos cinco mil aquí,

en esta pequeña parte de la ciudad.

Somos cinco mil.

¿Cuántos somos en total

en las ciudades y en todo el país?

Somos aquí diez mil manos

que siembran y hacen andar las fábricas.

¡Cuánta humanidad

con hambre, frío, pánico, dolor,

presión moral, terror, locura!

Seis de los nuestros se perdieron

en el espacio de las estrellas.

Un muerto, uno golpeado como jamás creí

se podría golpear a un ser humano.

Los otros cuatro quisieron quitarse todos los temores,

uno saltando al vacío,

otro golpeándose la cabeza contra el muro,

pero todos con la mirada fija en la muerte.

¡Qué espanto causa el rostro del fascismo!

Llevan a cabo sus planes

con precisión artera sin importarles nada.

La sangre para ellos son medallas.

La matanza es acto de heroísmo.

¿Es éste el mundo que creaste, Dios mío?

¿Para esto tus siete días de asombro y de trabajo?

En estas cuatro murallas sólo existe

un número que no progresa,

que lentamente querrá más la muerte.

Pero de pronto me golpea la conciencia

y veo esta marea sin latido

y veo el pulso de las máquinas

y los militares mostrando su rostro de matrona

lleno de dulzura.

¿Y México, Cuba y el mundo?

¡Que griten esta ignonimia!

Somos diez mil manos menos que no producen.

¿Cuántos somos en toda la patria?

La sangre del compañero Presidente

golpea más fuerte que bombas y metrallas.

Así golpeará nuestro puño nuevamente.

Canto, qué mal me sales

cuando tengo que cantar espanto.

Espanto como el que vivo,

como el que muero, espanto

de verme entre tantos y tantos

momentos de infinito

en que el silencio y el grito son las metas

de este canto.

Lo que nunca vi,

lo que he sentido y lo que siento

hará brotar el momento...”

Algunos links con noticias sobre el proceso jurídico del asesinato de Víctor Jara

http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/latin_america/newsid_3597000/3597620.stm

http://www.kaosenlared.net/noticia/victor-jara-caso-abierto

http://www.elespectador.com.co/noticias/elmundo/articulo-piden-reabrir-caso-muerte-de-victor-jara

Generalmente siempre he tenido líos al momento de subir la información. Así que dejo los links de algunos grupos que interpretan o han realizado homenajes al cantautor chileno.

http://es.youtube.com/watch?v=5Rin_fjMMyw

http://es.youtube.com/watch?v=SLIqR2fpLIQ&feature=related

http://es.youtube.com/watch?v=EsYokF2N3Ig&feature=related

Hippies, música, pintura y poesía

Barrio Haight Ashbury, San Francisco, 1966.

Mientras camina por las calles del barrio, rumbo a su encuentro semanal con su amigo Timothy, Joseph se pierde en un mundo surrealista, gracias a la dosis de LSD que ingirió hace un buen rato. Lentamente empieza la transformación, los edificios adquieren vida propia, él los siente respirar, los rostros que se cruzan a su paso se distorsionan en miles de formas y colores semejantes a máscaras que quizás sean sus verdaderos rostros, imágenes fantásticas surgen ante él, alternándose unas tras otras, abriéndose y cerrándose en círculos y espirales para después explotar en fuentes de color, y comenzar de nuevo, en un flujo incesante. Algunas veces, los automóviles se convierten en monstruos que desean devorarlo de un solo tajo, por lo cual huye a lo más seguro de los andenes.

Minutos más tarde, en la tranquilidad de un parque inicia su acostumbrada “tertulia” semanal con su amigo Timothy, defensor a ultranza de la Ilustración y estudiante de ciencias políticas, mientras que Joseph se declara un romántico empedernido y es estudiante de la facultad de filosofía.

Timothy expresa a su amigo que él considera el romanticismo como un período en el que un grupo de hombres desdeñaron la razón pura y el pensamiento crítico, sentaron sus bases sobre ensoñaciones, cuentos de hadas y civilizaciones que ya habían cumplido su ciclo histórico, además de una absurda búsqueda de libertad en un lugar en el que eran libres, por lo que anhelaban un mundo ideal que sólo podía existir en sus mentes.

Joseph aclara a su amigo que el romanticismo marcó un importante hito en la historia ya que fue una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y el hombre de una manera distinta y particular en cada lugar, muy semejante a lo que se deseaba y vivía en las comunas hippies de su ciudad.

El romanticismo es para mí un modelo de identidad, pues era rebeldía, rechazo a los cánones establecidos, despreciaba el materialismo y preconizaba el amor libre. El idealismo extremo y exagerado que se perseguía en el Romanticismo encontraba con frecuencia un violento choque con la realidad miserable y materialista, tal como sucede a nuestro alrededor, además, allí la originalidad jugó un papel preponderante pues ya no se quiere imitar más a los clásicos.

Es más Timothy, estoy casi seguro que si en aquella época hubiesen conocido el LSD, probablemente el hippismo hubiese tenido sus raíces a finales del siglo XVIII. Los románticos también presintieron que la industrialización y la máquina no liberarían al hombre sino que lo esclavizaría de otras maneras, que la razón reduciría todo el conocimiento a lo comprobable, verificable y rentable y que esta reducción del mundo a lo puramente rentable y demostrable dejaría de lado los grandes espíritus que animaban el alma humana empobreciéndola. ¡Por esto me parecen grandes visionarios!

En aquel momento había una gran euforia en torno a la razón, pero los románticos empezaron a sospechar que esta razón no haría las almas más libres, por lo cual
se volcaron al espíritu dionisíaco al considerarlo el más profundo espíritu de la libertad.

En cambio, la Ilustración, con sus grandes avances sólo pensaba en el ser humano, pues todo giraba en torno a él, a la razón y la experiencia sensible y lo que ella no admitiera no podía ser creído. La tradición y el pasado son desdeñados por considerárselos signos de oscurantismo, bajo estas premisas fueron arrasadas culturas enteras por considerárselas inferiores o supersticiosas.

Hey, hey, hey, un momento -dice Timothy- todo aquello del romanticismo está muy bien como tu lo describes, pero te olvidas que gran parte de los inventos y comodidades de las que ahora disfrutas no hubieran sido posibles sin el rigor que se dio a la ciencia a partir de entonces. En geografía se logra cartografiar todo el mundo, exceptuando los polos y algunas regiones de Africa, en física, óptica y matemáticas los avances fueron impresionantes gracias a las contribuciones de Newton, también surge la economía política, el mundo expande aún más sus fronteras y quizás lo más importante, la sociedad se seculariza y la noción de Dios y religión, empieza a perder, ya definitivamente, la importancia que en todos los órdenes había tenido hasta ese entonces. Ah, una cosa más, fue una época de enriquecimiento, lo que te permite ahora vivir en un país con gran calidad de vida.
Un automóvil pasa a gran velocidad dejando los acordes de un blues de Janes Joplin, lo cual los enfrasca en una nueva discusión sobre la música clásica.

¿Joseph, recuerdas quién se auto denominaba fonometrógrafo? veamos si escuchas algo más que blues y rock and roll.

Por supuesto que lo recuerdo, -replicó Joseph- era Eric Satie, y se denominaba así porque se consideraba más un medidor y escritor de sonidos que un músico. Poseía un espíritu pícaro y burlón que sirvió para que muchos de sus contemporáneos se lo tomaran a broma y no lo consideraran un buen músico. Por ejemplo, alguna publicidad de sus obras rezaba: "Hace ocho años que padezco un pólipo en la nariz, complicado con una afección de hígado y reuma. Tras escuchar les Ogives de Satie, se manifestó en mi estado de salud una notable mejora. Cuatro o cinco aplicaciones de la Tercera Gymnopédie han acabado de curarme completamente".

Y para rematar -acotó Timothy- en su pieza Vexations, pide al intérprete que repita 840 veces los 52 compases que integran la partitura ¡lo cual daría para unas 20 horas!, todo este tipo de cosas hacían que no fuera tomado demasiado en serio. No obstante, Claude Debussy lo definió como "músico medieval y dulce, perdido en este siglo". Y él mismo declaró: "He llegado a un mundo muy joven en un tiempo muy viejo".

Por supuesto suscitó profundas antipatías pero también pasiones muy honestas. En su tiempo no se le consideró un gran músico, pero no era ni mucho menos un desconocido. Se le tenía por un bicho raro, un humorista. Entre sus pocos amigos se encontraba lo más destacado de la época: Georges Braque, Picasso, Juan Gris, Debussy (que le hizo el honor de orquestar la tercera de sus Gymnopédies, única obra de otro autor que trabajó). Cuando su vida iba rumbo al deterioro patético, lo reivindicaron los dadaístas y lo menospreció André Bretón, que 30 años después de su muerte hizo acto de contrición escribiendo un texto en el que lo reivindicaba.

Satie no temía en absoluto el aburrimiento. El aburrimiento era algo profundo y misterioso. Aburrir le parecía un síntoma de buen gusto. Su misión consistía en preparar al oyente por medio del sonido: que el sonido se abriera al oyente mientras el músico se retiraba. Para conseguirlo era necesario el tedio hipnótico, la repetición mecánica, la melodía pobre, desprovista de toda implicación dramática al considerar que el sonido, como la palabra, exenta de significado para alcanzar la plenitud poética, se basta a sí mismo.

Joseph ¿no te parece que en eso se asemejaba a los Beatles en su mística búsqueda por las religiones orientales?

En efecto - contestó Timothy- la idea de Satie, al parecer, procedía de estas religiones, de los mantras budistas, que entonados una y otra vez conducen al despertar de la Kundalini, la burbuja que, aposentada en la base de la columna vertebral, contiene el secreto de la felicidad, por ello la insistencia en la repetición de sonidos. Hoy día, a Satie se le considera uno de los maestros indiscutibles de eso que nadie sabe definir bien pero a lo que todos denominan "new age".

Con un susupiro, Timothy evoca la gran influencia de París sobre el arte, a propósito de la música de Satie. París -dice- es la ciudad del arte por excelencia, los mejores han pasado por allí dejando huella o recibiendo influencias de otros artistas para explotar luego con nuevas tendencias, colores, matices, miles de tonalidades han poblado sus calles y desde allí han inundado el mundo con su carga de luminosidad.

Sabes Timothy, cuando estoy en uno de esos viajes que me brinda el LSD, siempre pienso en Picasso, por la cantidad de formas geométricas, el uso del color, la distorsión y las diferentes perspectivas que brindan sus cuadros.

Justamente Joseph, el cubismo fue un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, creando un nuevo lenguaje pictórico y estético que implicó una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no podía sencillamente contemplarla, sino que tenía que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.

Ja, ja, ja, o sea que no estoy tan lejos de la realidad cuando visualizo sus cuadros en mis visiones surrealistas -señaló Joseph-, porque según lo que me dices el Cubismo es un arte mental, que se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas.

Así es - asentó Timothy-, la desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que se estudian en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Con esta tendencia desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas (al igual que en tus visiones) invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. A pesar de esto nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, respetando siempre la forma y a pesar de que generan una total ruptura con todas las normas tradicionales de la pintura.

Por cierto, inquirió Joseph, ¿conoces la anécdota de Picasso y el viajero?

No - respondió Timothy-.

Te la cuento entonces -agregó Joseph_

Picasso era cada vez más famoso. Cierto día iba viajando en primera clase de Niza a Paris. En su mismo compartimento había un rico americano que era coleccionista de arte. El americano creyó haber reconocido al artista.

“Eh, ¿no es usted el Señor Pablo Picasso?”

“Sí”, dijo Picasso.

“Dígame”, dijo el coleccionista, “¿por qué no pinta usted a las personas tal y como son realmente?”

“¿Qué?”, dijo Picasso.

“¿Qué por qué no pinta usted a las personas tal como son realmente? Por ejemplo, si miro cualquiera de sus cuadros, sencillamente no es real. Pone usted el ojo en mitad de la frente, la nariz donde debería ir la oreja. Es sencillamente ridículo, además de totalmente equivocado. ¡No es real y no es arte!”

“No sé lo que quiere decir”, dijo el artista.

“El arte debería ser un reflejo de la vida, un espejo de la naturaleza y todo eso que dicen. Tiene usted que pintar las personas tal y como son realmente”.

“Sigo sin entender”, dijo Picasso.

“Muy bien, listillo, te voy a endeñar lo que quiero decir”. El americano cogió la cartera de su chaqueta, la abrió y sacó una fotografía. “Mire”, dijo el americano. “Esta es mi mujer tal y como es realmente”.

“Ah, ya entiendo”, dijo Picasso con un aire muy serio. “Su mujer es excesivamente flaca y mide alrededor de 10 cm”.

Ja, ja, ja, muy simpática, bueno amigo, es tarde y no quiero perderme el concierto de Grateful Dead, imagino que irás.

¡Por supuesto! exclamó Joseph, allí nos vemos.

Beethoven, un romantico inmortal

Un gran espíritu de fortaleza creadora, inagotable imaginación original e indómita personalidad, hacen de Beethoven un vigor en la cultura de occidente, dándole a la música su característica de gran espectáculo popular, trasladándola libre y poderosa desde los pequeños salones aristocráticos a los grandes ámbitos del mundo. Compartió con vehemencia los ideales de la revolución francesa: Libertad, Igualdad, Fraternidad, llevándolo al plano artístico en un nivel tan alto, como la revolución lo haría en el plano político y social.


La libertad guiando al pueblo, Eugene Delacroix, 1830

Beethoven constituye el puente hacia el Romanticismo. En la actualidad, los expertos lo consideran como el último representante de la escuela vienesa clásica, pues se dedicó a desarrollar el legado recibido de Mozart y Haydn. En el aspecto artístico desarrolló audaces técnicas, enriqueció la orquesta, utilizó sonidos e instrumentos de nueva generación e incluso adaptó los sonidos onomatopéyicos para describir los disparos de cañón, dando a la música un contenido argumental en la que se revelan las grandes pasiones humanas, los grandes sucesos históricos, y los fenómenos naturales.

Este autor, se convirtió en un hermoso símbolo, el prototipo del moderno héroe-artista opuesto al artista-artesano de la Europa prerrevolucionaria. Para Beethoven la música es una revelación más alta que cualquier filosofía. Su feroz independencia y su doloroso éxito sobre el fracaso personal, lo hicieron un modelo para compositores posteriores como Wagner. Al mismo tiempo, su fidelidad a los principios clásicos de composición para alcanzar sus más profundos efectos y su genial inspiración, lo convierten en el mejor exponente de la unión del clasicismo y romanticismo y en la cumbre de la música europea así como en prototipo de belleza moral.

La gran tragedia de Beethoven fue su creciente sordera, contra la cual luchó con los precarios recursos de su tiempo y que progresivamente ensombreció su alma, girando su concepto erótico hacia un costado lúgubre, propio del romanticismo que identificó sistemáticamente amor y sufrimiento. Esta condición lo aisló del mundo, presentándole a los demás con apariencia de huraño, y llevándolo con frecuencia a pensar en el suicidio, un recurso típicamente romántico, del cual lo salvaron el amor, el arte y su sentido de responsabilidad, pues sentía como una obligación la tarea que estaba destinado a realizar.

Su carácter y su rebeldía le hacían negarse a servir a ningún señor, personajes grandes por sus títulos pero mediocres intelectual y moralmente, por supuesto, tuvo algunos mecenas a los que a veces no pudo evitar doblegarse, pero que igualmente perdió y reemplazó, pues en vida su genialidad era ya evidente.


La gran odalisca, Dominique Ingres, 1814

A las afueras de Viena escribe su testamento afectado por una profunda depresión el 10 de octubre de 1802: “Mientras las hojas del otoño caen y se marchitan, también se marchita mi esperanza. Oh, Vosotros que pensaís o decís que soy malévolo, obstinado o misántropo, que equivocados estáis. Siempre he querido obrar grandes proezas, pero desde hace seis años soy un caso perdido, agravado por médicos insensatos que me engañaban año tras año esperando alguna mejoría, para hoy enfrentarme a este mal irreparable. Sin embargo, me resulta imposible decir: hable más alto o grite porque estoy sordo. Cómo podría decir que sufro una debilidad en el sentido que debería tener más desarrollado que los demás.

Qué humillación sentía cuando alguien que estaba a mi lado escuchaba una flauta a lo lejos y yo no oía nada. Estas situaciones me llevaban al borde de la desesperación, un poco más y habría puesto fin a mi vida. Sólo el arte me lo impidió, no podía dejar este mundo sin haber hecho todo lo que yo creía que estaba llamado a hacer...”

Sobre la Séptima Sinfonía

En este enlace podemos disfrutar de la séptima sinfonía de Beethoven, dirigida por Herbert Von Karajan

http://es.youtube.com/watch?v=s8eigkwmMEo&feature=related

La Séptima Sinfonía, en La mayor fue escrita en 1812, en ella Beethoven regresa al temperamento mostrado de las sinfonías tercera y quinta, exponiendo su gran talento para ir acumulando tensiones y procesos rítmicos, como puede comprobarse con sólo escuchar su primer movimiento.

Esta sinfonía está compuesta por cuatro tiempos:

1 Poco sostenuto-Vivace
2 Allegretto
3 Presto
4 Allegro con brio

De ellos el más conocido es el segundo, el Allegretto.

El Verano, Caspar David Friedrich, 1807

Cuando Beethoven compone su Séptima Sinfonía, su sordera era total. La obra se estrenó en Viena, el 8 de diciembre de 1813, con el propósito de recaudar fondos para los heridos en la Batalla de Hanau. Fue un momento solemne. Tanto, que Beethoven quiso dirigir él mismo la orquesta, aunque debido a su sordera, ya había tenido fracasos públicos: le era imposible dirigir. Se cuenta que Salieri fue quien realmente dirigió en ese estreno, sin que Beethoven lo supiera. La obra fue muy bien recibida. El público pidió con sus aplausos que se repitiera el segundo movimiento.

Posteriormente, Wagner se refirió a la obra, por su ritmo vivo, como la "apoteosis de la danza". Gustav Mahler, quien sentía especial admiración por Beethoven, después de dirigir su Séptima Sinfonía, afirmó que "el final es una auténtica experiencia dionisíaca que deja al alma en un estado de embriaguez".

Es tal la belleza de la obra, la amalgama de clasicismo y romanticismo y de inspiración melódica y armónica que, a partir de esta sinfonía es cuando Beethoven es considerado por sus contemporáneos como el más grande y a esta obra como obra maestra entre las obras maestras. La expresividad de toda la música de Beethoven está inspirada en interpretaciones poéticas y alentada en un siglo de trabajos instrumentales románticos con sobretonos programáticos.

Modernidad y desarrollo

 

La modernidad se reivindica sobre los ideales de una sociedad en la que imperan la razón, la libertad y la autonomía del individuo apoyándose en el intelecto, el conocimiento científico y la tecnificación; estos elementos conllevan a la transformación de viejas estructuras políticas, económicas, sociales y culturales convirtiéndose en una nueva etapa para la humanidad en la que se instaura un reciente orden social y económico: el capitalismo. 

A finales del siglo XVIII, Europa sufre grandes modificaciones: la ilustración impone la razón como la única vía para llegar al conocimiento y como oposición al régimen absolutista, la revolución industrial en Inglaterra desarrolla la nueva clase burguesa la cual sentará las bases del liberalismo y la revolución francesa proclama los principios de liberté, égalité, fraternité. 

La Ilustración significó un nuevo orden en el mundo y un impulso al progreso de las ciencias, lo cual era necesario para acabar con viejos prejuicios, supersticiones, irracionalidad y la limitación de costumbres que se acataban como verdades reveladas. La Ilustración ubica al ser humano como primer objeto de la razón, concediéndole el poder de conquistar la Naturaleza y dominarla en un sueño de progreso hacia la felicidad. Pero este tipo de pensamiento impone límites puesto que sólo se interesa por el conocimiento de los fenómenos, de la realidad sensible, considerando que aquello que los sentidos no pueden concebir no tiene ninguna utilidad. 

Este viraje hacia el progreso que busca sacar a la sociedad de un largo periodo de tradiciones, superstición e irracionalidad apoyándose en la ciencia, no logra convencer a un grupo de inquietos jóvenes denominados Románticos, que valoran a la Naturaleza como un todo y no como un objeto, como sugería Descartes, consideran que la tecnificación produce seres artificiales e insensibles, por lo cual rescatan la individualidad, la capacidad creadora y transformadora que hay al interior de los seres, y plantean una relación con la Naturaleza como una comunicación del Uno al Todo, que a la vez desencadena su aspiración al infinito. 

Frente a la luz de la Ilustración, los románticos optan por la oscuridad y se erigen con una mirada revolucionaria sobre la compleja estructura económica y social que se tejía, ofreciendo una valoración especial a la originalidad, la diversidad y la particularidad, como reacción frente a la unidad del racionalismo de la Ilustración, generando una ruptura con la tradición clásica al defender la superioridad del sentimiento sobre la razón. 

Los sentimientos, emociones, pasiones, cobran una importancia trascendental, hay una clara consciencia de la existencia de fuerzas en la naturaleza y sobre todo, en el espíritu humano que están más allá de la razón y de la ciencia, asimilando las pasiones humanas como la fuerza viva que va a recuperar al mundo en su profundidad y lo va a sacar de la superficialidad de lo que es solamente verificable, rentable, contable, que es en lo que se ha convertido el mundo que habitan. 

A través de la imaginación y la fantasía recrean mundos pasados (edad de oro de Grecia), paisajes exóticos (África, Oriente), se vivifica la atracción por las ruinas, el misterio, la noche, los espíritus y el más allá, planteamiento que la luz es maravillosa pero la oscuridad también lo es, porque en los espíritus de la noche está lo profundo del alma humana. 

En el romanticismo crear significa aproximarse a la verdad, por ello los principales temas desarrollados por este movimiento serán la libertad, el amor, la muerte, el egocentrismo, el retorno a los mitos, la reivindicación del espíritu nacional. De la misma manera, la violencia, las sombras, las luchas, ocuparán un lugar preponderante en la pintura romántica, de la que Delacroix será uno de sus grandes exponentes, al analizar los efectos que provocan los colores sobre la psiquis, alcanzando influencia hasta los impresionistas por su gran maestría en el uso del color. 

El interés por paisajes solitarios y majestuosos, como el mar o las montañas, es otra arista de esta producción pictórica con Caspar David Friedrich como exponente, quien perteneció a una generación que no pintaba por encargo, liberándose de las tendencias que se imponían en las galerías. Su inspiración es tomada de paisajes reales, solitarios y majestuosos que conoció, dotando a su obra de un realismo hasta el momento desconocido en la que abundan escenas a la luz de la luna, elementos de carácter sombrío como cementerios o ruinas góticas o de carácter religioso como crucifijos o iglesias. 

En la música romántica, los más de veinticinco años que Wagner dedicó a la creación de el Anillo del Nibelungo, apoyado en diversas fuentes de origen medieval, le llevan a transformar el pensamiento musical en lo que será una síntesis del arte poético, musical y escénico, llegando a construir su propio teatro de ópera para representar las obras de la forma en que él las imaginaba. Se convirtió en uno de los principales nacionalistas alemanes, lo cual se refleja en el argumento de sus obras y en el tratamiento de personajes mitológicos. 

La ruptura que generan los románticos con el clasicismo es de vital importancia y su renovación no sólo se enfoca en el arte, sino también en la mirada hacia el ser humano pues éste es rescatado de su función productiva y valorado como un todo en la naturaleza, es una mirada vivificante sobre un mundo sobre el que ellos presienten un velo de oscuridad generado por la mecanización. 

Volviendo la mirada a la modernidad, no cabe duda de que estos cambios garantizaron el progreso de las sociedades, convirtiéndolas en “modelos” por el alto grado de desarrollo alcanzado, cubriendo de un velo de marginación a aquellas naciones que de una u otra forma no habían alcanzado este grado de desarrollo y que las condicionará en una categoría de sociedades primitivas, inferiores, toscas e ignorantes por resolver sus problemáticas bajo premisas de magia, religión y cosmovisión particular y no guiarse por el pensamiento científico y cartesiano. 

Este pensamiento es el germen del eurocentrismo que bajo los postulados de modernidad genera en su entorno mecanismos de subyugación a todo aquel pensamiento diferente tildándolo como bárbaro y salvaje, y por lo cual, los europeos, como sociedad “civilizada” se sintieron en la obligación de imponer su cúmulo de conocimiento y modelo económico a todos aquellos lugares sobre los que pudieran ejercer influencia; claro ejemplo de ello es el caso de Inglaterra sobre la colonia India. 

Esta concepción del mundo, arrasa con cantidad de pueblos originarios como el caso de los aborígenes norteamericanos, donde el desarrollo de la sociedad “blanca” (inmigrantes europeos) con su proyecto del ferrocarril les permite el aniquilamiento de comunidades antiquísimas que basaban su existencia en el equilibrio con la naturaleza, por el simple hecho de considerarse superiores y en muchos de los casos, elegidos por Dios. 

A partir de entonces, la historia y la memoria se conciben de una nueva manera, la superioridad europea convierte a los hombres en transformadores que deben enseñar a los pueblos primitivos el camino hacia el progreso material aunque esto conlleve incluso a la eliminación de pueblos enteros (los Judíos por los nazis, los Gitanos por los fascistas). 

Pero esta “invención” de progreso trajo consigo atraso y miseria para muchos pueblos que en la imposición del modelo perdieron la capacidad de definirse y afirmar su identidad, su diferencia, a cambio fueron condenados a la dependencia económica y cultural, lo cual deja cierto sin sabor sobre las bondades de la modernidad y nos cuestiona sobre los beneficios de ésta, si realmente ha sido un acierto o si se trata sólo de un discurso que se adapta a las circunstancias y que a pesar de innegables avances en campos como el científico, sigue marginando a aquellas sociedades que no cuentan con los recursos para adquirir algo tan simple como una vacuna que puede salvar millones de vidas. 

En estas circunstancias, ¿quién determina qué es primitivo y qué es moderno?